“Os grandes museus como o Hermitage (Russia), o Prado (Espnha) e o Louvre (França) sempre tiveram como patronos monarcas e membros da igreja, motivados pela crença de que arte é igual à civilização.
O modelo de colecionador empreendedor como patrono do museu, como, por exemplo, Abby Aldrich Rockefeller no MoMA ou Joseph Duveen na Tate Britain, é um desenvolvimento mais recente.”
“Entendemos o que motiva um colecionador a buscar a imortalidade com o seu nome em uma ala de museu. Mas, fora isso, o que motiva um indivíduo a reunir uma vasta coleção de arte em uma quantidade que ela jamais poderia ser exibida em várias casas?
Uma condição óbvia é que um colecionador precisa possuir muito dinheiro. Um Warhol modesto pode custar duas semanas de renda para um operador de hedge fund bem-sucedido. Coloque isso em perspectiva. Muitos leitores ficariam felizes em pagar duas semanas de renda por uma obra de arte que amam.”
“Que outros motivos existem? Como colecionar a arte em grandes quantidades atrai uma pessoa?
Devemos simplesmente aceitar a visão do historiador Kenneth Clark:
“Perguntar por que alguém coleciona é como perguntar por que nos apaixonamos; as razões são várias.”
O que se segue são quatro histórias de colecionadores que diferem em suas motivações para colecionar e em seus recursos financeiros.”
Colecionador tipo 1: Os Mugrabi's
“O nova-iorquino José Mugrabi e seus filhos Alberto e David ilustram como indivíduos com grande riqueza podem a ponto de influenciam os preços no mercado de arte.
Os Mugrabis têm a maior coleção de Andy Warhol do mundo fora do Museu Andy Warhol em Pittsburgh. A contagem é de pelo menos 800, com algumas estimativas ainda mais altas. Jose Mugrabi foi o consignador de Warhol's Men in Her Life, que foi vendido por US$ 63 milhões”.
A transição dos têxteis para a arte começou em 1987, quatro meses após a morte de Warhol. Mugrabi estava visitando a Art Basel quando viu suas primeiras pinturas do artista. “Gostei das fotos”, diz José, “as pinturas me impactaram.
Então [com Warhol], eu sinto algo.” José comprou a versão de Warhol de quatro pinturas da Última Ceia de da Vinci por US$ 144.000 cada. Em 2009, ele estimou o valor entre US$ 4 e US$ 6 milhões”.
“Os Mugrabis construíram sua coleção ao longo de 25 anos. Eles creditam seu modelo de coleção a Charles Saatchi, um patrono de arte inglês que se tornou um negociante. Mas Saatchi comprou várias obras de muitos artistas, enquanto os Mugrabis coletaram apenas alguns preferidos. ”
“O interesse de José está no movimento Pop. Alberto e David, estão mais interessados em artistas mais jovens como Damien Hirst, Richard Prince e Jeff Koons.
Jose descreve as preferências da família como artistas que representam o que a América dá ao mundo (Coca-Cola de Warhol), ou artistas que representam sua cultura comercial (Prince, Koons, Hirst e Basquiat).”
“A família é mais conhecida por seus Warhols. Além disso, os Mugrabis possuem o que se acredita ser uma das mais valiosas coleções particulares de arte contemporânea do mundo.
Inclui 3.000 obras; 100 ou mais por Hirst, Basquiat, George Condo e Tom Wesselmann.
Antes da crise econômica de 2008, os Mugrabis estimavam o valor da coleção como “aproximando-se de um bilhão de dólares”.
“Os Mugrabi's são negociantes privados em grande escala. “Somos formadores de mercado”, disse Alberto. “Você não pode ter impacto comprando uma ou duas fotos por artista.
Queremos formar um grande acervo; Isso nos dá poder de permanência.” No setor de commodities, uma analogia seria controlar o suficiente do mercado futuro de prata para poder movimentar o preço.
Os Mugrabis compram e vendem obras diretamente, por meio de revendedores, e em até 50 leilões por ano.
Durante as semanas de leilões em Nova York, a família é conhecida por ter 30 obras oferecidas em três casas de leilões”.
“Durante a recessão artística de 2007-2009, David Mugrabi disse que a família fez muito mais compras e muito menos vendas.
Em novembro de 2008, eles adquiriram Marilyn de Warhol (Twenty Times) (1962) por US$ 3,98 milhões.
Em 2013, a pintura valia mais de US$ 40 milhões. Alguns meses depois, e por menos de US$ 5 milhões, eles compraram 38 Warhols com imagens de Marilyn Monroe do negociante de Zurique Bruno Bischofberger. “Um mercado em baixa é quando você encontra pechinchas.”
“Em 2009, a Família Real de Abu Dhabi teria oferecido aos Mugrabis “várias centenas de milhões de dólares” por seus 15 melhores Warhols, incluindo Marilyn (Twenty Times), para o planejado Museu Guggenheim de Abu Dhabi.
José supostamente respondeu a oferta com um preço de US $ 500 milhões e foi recusado. Alberto disse que quase tudo em sua coleção está à venda. “Se não queremos vender uma foto, oferecemos por três vezes o valor estimado pela obra.”
No caso de Abu Dhabi, os US$ 500 milhões não estavam tão longe do valor de mercado. Algo que em 2013 foi superado na soma do valor das 15 obras.
“É aceito no mundo da arte que o Mugrabis e um ou dois outros representam 30 a 40 por cento de todas as compras de Warhol em leilão a cada ano.
A família participa da maioria dos grandes leilões contemporâneos. José é famoso por seu uniforme de leilão: calça jeans, camiseta preta e boné de beisebol.
Ele nunca se incomoda com "paddle" de leilão; o leiloeiro sabe quem ele é e onde ele está.
Embora os colecionadores mais importantes façam ofertas na privacidade de um camarote de leilão ou por telefone, os Mugrabis querem ser vistos como envolvidos quando um Warhol surge.
Eles querem promover uma guerra de lances visível, e não uma barganha. O negociante Francis Naumann diz: “O que os ameaça em um leilão não é a presença de outros licitantes agressivos, mas licitantes cautelosos”.
Alberto disse: "Se é bom para a Christie's e a Sotheby's, é bom para nós".
“O negociante de arte do norte da Califórnia, Richard Polsky, diz que em 2006 ele consignou uma pintura Flower de Warhol. “A estimativa era de US$ 1 milhão, mas o leiloeiro da Sotheby’s deixou claro que o Mugrabis estaria na platéia e gostariam de vê-lo receber US$ 1,5 milhão.
E foi quase exatamente por isso que acabou sendo vendido.” Os Mugrabis aparentemente fizeram lances até que Flower atingisse o preço desejado.
Jose Mugrabi defende seus esforços para aumentar os preços em vez de buscar pechinchas como sendo do melhor interesse de outros colecionadores de Warhol e do mercado em geral.”
“A maior parte de sua coleção está armazenada em dois armazéns, um em Newark, Nova Jersey, e o outro em uma zona franca em Zurique. Os armazéns são necessários não só pelo número de obras, mas também porque algumas têm necessidades especiais de armazenamento.
Por exemplo, tubarões e ovelhas Damien Hirst em tanques precisam ser desmontados e refrigerados. Ao contrário de outros que reuniram grandes coleções - Charles Saatchi ou Don e Mera Rubell em Miami - os Mugrabis não têm planos de abrir um museu próprio.
A influência da família é tanta que um artista ou tendência artística às vezes é descrita simplesmente como “Isso foi comprado pelos Mugrabis” ou “Os Mugrabis não queriam isso”.
Por causa do número de vezes que Warhols aparecem em leilão, seus preços se tornaram, de acordo com The Economist, um guia para o mercado de arte, o índice Dow Jones para preços de arte contemporânea.
Isso levanta a questão: o que acontece se os Mugrabis, por qualquer motivo, decidirem despejar Warhol, ou Hirst, ou Basquiat, ou um de seus outros artistas retidos aos montes e a palavra se tornar “Os Mugrabis estão vendendo”? Isso abalaria a confiança em todo o mercado de arte contemporânea?
Outros colecionadores de Warhol – Peter Brant ou S. I. Newhouse, por exemplo – também desaguaruam as obras porque ninguém quer ser o último a sair?
Colecionadores tipo 2: Charles Saatchi
“Charles Saatchi é o colecionador de arte contemporânea mais proeminente da Grã-Bretanha. Ele foi descrito como o maior patrono da arte de seu tempo e como um dealer de mercadorias de arte disfarçado de patrono.
Ele é o único colecionador moderno a criar um movimento artístico. O sucesso dos yBas (Young British Artists), o primeiro movimento artístico reconhecido internacionalmente na Grã-Bretanha do pós-guerra, deveu-se em grande parte às suas aquisições e à publicidade resultante.”
“Artigos de mídia, casas de leilões e colecionadores descrevem uma obra de arte ou um artista como “colecionado por Saatchi” ou “de propriedade de Saatchi” ou “cobiçado por Saatchi”.
Assim como no Mugrabis, cada descrição provavelmente aumentará o interesse e os preços do artista. Menos afortunado é um artista rotulado como “vendido por Saatchi”.
Jose Mugrabi descreve Saatchi como o primeiro e mais conhecido exemplo do colecionador-negociante que também desempenha as funções de curador e publicitário.
Saatchi preenche outros papéis. Foi curador, financiador e proprietário da arte exibida na exposição USA Today de 2006, e anteriormente na mostra Sensation de 1997, ambas na Royal Academy em Londres.
Em cada caso, Saatchi contribuiu para o custo da instalação em troca da liberdade na curadoria e instalação da arte que ele possuía.”
“Durante 20 anos, Saatchi exibiu sua arte em um antigo espaço de fábrica em St. John's Wood, em Londres.
Em 2001, ele transferiu sua arte para a Saatchi Gallery, localizada na antiga sede do Greater London Council em County Hall, a meio caminho entre os museus Tate Modern e Tate Britain.
Ele mostrou o tubarão de Hirst e My Bed de Tracy Emin – uma cama desfeita com roupas íntimas e embalagens de camisinha, onde Emin passou quatro dias pensando em suicídio. Ele também mostrou trabalhos de artistas apenas alguns meses fora da escola de arte.”
“Quando Saatchi compra a obra de um artista, ou a expõe em sua galeria ou a empresta a outros museus, o efeito cumulativo é validar a obra e o artista.
Cada estágio também aumenta o valor das participações de Saatchi. Ao longo do tempo, ele vendeu muitas de suas peças, às vezes em quantidade, e muitas vezes com grande lucro.
Saatchi sempre foi generoso em emprestar arte a museus para exposições, embora muitas vezes com a condição de que peças adicionais que ele possui também sejam aceitas e exibidas.”
“Em abril de 2006, a Saatchi estabeleceu um site na Internet chamado Saatchi Online (www.saatchionline.com). Permite a postagem de obras de arte para venda de todo o mundo, acompanhadas da biografia do artista e detalhes de contato.
Há mostras online com curadoria semanal selecionadas a partir de trabalhos submetidos. O site atua como intermediário de pagamento em troca de uma comissão de 30% sobre o preço de venda.
Ele mostra 50.000 artistas e atrai 76 milhões de visitas por dia, com vendas médias relatadas de 800 trabalhos por dia. A diretora da Saatchi Gallery, Rebecca Wilson, disse que a galeria “vende mais arte em um mês online do que a maioria das galerias físicas em um ano”.
A Saatchi Online pode ser a inovação mais importante para novos artistas e colecionadores iniciantes.
“Em 2007, a Saatchi e a casa de leilões Phillips de Pury fecharam um acordo único. Com a nova Saatchi Gallery prestes a ser inaugurada na King's Road, na área de Chelsea, em Londres, eles concordaram que a galeria cortaria a sua taxa de entrada planejada de £ 9,75 e se tornaria "o primeiro grande museu de arte contemporânea totalmente gratuito do mundo". Phillips ofereceria um subsídio de £ 2,50, para cada visitante.”
“Simon de Pury estimou que, com entrada gratuita, a participação no primeiro ano passaria de 600.000 (volume da antiga Galeria Saatchi no County Hall) para mais de um milhão.
Em troca, Phillips seria apresentado no site da Saatchi, proporcionando exposição a jovens artistas e colecionadores. A Phillips foi autorizada a ter um espaço de exposição dentro da galeria e oferecer exposições temporárias de venda.
Houve um acordo informal de que Saatchi usaria a Phillips para vender obras em leilão. De acordo com de Pury, “Eles naturalmente devolveriam a lealdade e o apoio que demonstramos ao permitir que a Galeria Saatchi fosse gratuita para todas as exposições”.
O acordo não era exclusivo; Charles Saatchi atraiu atenção em 2010, quando ele consignou duas pinturas de Martin Kippenberger para a Christie’s em vez da Phillips.”
Na ocasião, cerca de 25% de um leilão da Phillips era composto por obras consignadas por Saatchi. A comissão do vendedor da Saatchi (supondo que ele fosse obrigado a pagar uma, o que é improvável) e o prêmio do comprador foram para a Phillips como compensação ao subsídio da Galeria Saatchi.
Phillips retirou-se do acordo Saatchi em abril de 2011. O patrocínio da galeria foi assumido por três instituições financeiras: BNP Paribas, Deutsche Bank AG e Standard Chartered Bank.”
“Em julho de 2010, Saatchi se ofereceu para doar seu aluguel de galeria e £25 milhões em arte para a nação britânica, com a galeria sendo renomeada para MoCA London.
Saatchi primeiro conversou com o Arts Council England, a organização que representa o governo no financiamento de grupos culturais, mas as negociações fracassaram sobre se Saatchi poderia manter o direito de vender e substituir as obras da arte doada.”
“Os Mugrabis e Saatchi são apaixonados por arte, mas parecem vê-la principalmente como um negócio.
Colecionador tipo 3: Patrizia Sandretto Re Rebaudengo
Ao se falar de colecionadores que o fazem por pura paixão, um grande exemplo é Patrizia Sandretto Re Rebaudengo de Turim, Itália. Re Rebaudengo é o sobrenome de seu marido Agostino, é descendente de uma importante família do Piemonte. Sandretto Re Rebaudengo começou a colecionar em 1991.
Seu hobby se tornou uma paixão e evoluiu para uma carreira em tempo integral.” “Em 1992, ela levou seus dois filhos ao Kunstmuseum em Bonn e observou: “Foi uma alegria ver as famílias apreciando as artes”.
Ela percebeu que Turim não tinha um lugar semelhante onde a arte contemporânea pudesse ser apreciada por todos e decidiu criar um.
Em 1995, ela fundou a fundação italiana de arte contemporânea Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, inicialmente para compartilhar sua própria coleção em expansão com o mundo.
Sua primeira exposição foi English Art Today, com Damien Hirst, Douglas Gordon, Julian Opie e Anish Kapoor.
Por que começar com artistas britânicos? Depois de iniciar sua coleção com esculturas dos italianos Mario Merz e Piero Manzoni, ela visitou Londres em 1992 e foi levada por Nicholas Logsdail da Lisson Gallery para um tour pelos estúdios de artistas.
Ela reagiu como qualquer colecionador entusiasmado ( e com recursos). Ela se apaixonou pelo que viu e trouxe para Turim obras de Opie, Gordon, Tony Cragg e duas grandes obras de Kapoor.
Damien Hirst e outros artistas britânicos vieram depois. “Esse foi o começo. Mais tarde, ela desenvolveu relacionamentos com o artista Robert Fisher, que produziu um trabalho específico para ela em Turim, e com o artista video artist da Califórnia Doug Aitken, que produziu Electric Earth, um vídeo que ganhou o Prêmio Internacional na Bienal de Veneza em 1999.
“Mais tarde, ela concentrou seu patrocínio em mulheres artistas e de nações economicamente e socialmente problemáticas, principalmente a artista palestina Mona Hatoum. Em 2004, todo o ciclo de exposições da Fondazione foi dedicado às mulheres.”
“Recolher e emprestar obras para espetáculos não era suficiente. “Achei que poderia fazer mais.” Em 1997, sua Fondazione montou sua primeira galeria no palácio do século XVIII da família em Guarene d'Alba, uma pequena cidade nos arredores de Turim.
Em setembro de 2002, a Fondazione abriu um centro de arte contemporânea em uma fábrica abandonada em Turim, com espaço de galeria, livraria, auditório e um café – este último acessível pela rua para ser usado como ponto de encontro do bairro.
Sua galeria agora tem 1.100 obras de pintura, escultura, fotografia, vídeo e instalação representando 40 artistas italianos e estrangeiros. Francesco Bonami, um conhecido curador, é o diretor artístico da fundação, mas Sandretto Re Rebaudengo tem a aprovação final de cada compra.“A Fondazione empresta obras para exposições ao redor do mundo".
Em 2012, forneceu trabalho à Whitechapel Gallery de Londres para uma série de três exposições. O primeiro incluiu o que se tornou o trabalho em destaque, Bidibidobidiboo, de Maurizio Cattelan, de 1996, um esquilo sem vida caído na mesa da cozinha, cercado por um copo de bebida vazio, pratos sujos e a arma suicida (ilustrada).
O título vem da música da Fada Madrinha em Cinderela. A questão colocada: O que forçou esta pobre criatura a um fim tão desesperado?
Richard Armstrong, diretor do Museu Guggenheim, ao qual Sandretto emprestou seis obras para sua exposição Cattelan de 2011, diz: “Você observa sua força vital, da qual deriva sua vontade de compartilhar, sua curiosidade e seu prazer pela arte”. Nicholas Logsdail diz: “Olhe para a qualidade do que ela fez, é maravilhoso.”
Colecionador tipo 4: Herbert e Dorothy Vogel
“O colecionismo movido pela paixão e não apoiado por grandes recursos financeiros é exemplificado por Herbert e Dorothy Vogel. Herbert, nascido em 1923 filho de um imigrante russo operário de vestuário, serviu no Exército dos EUA e depois ingressou no serviço postal dos EUA como classificador de correspondência no turno da noite.
Dorothy, 13 anos mais nova, era bibliotecária da biblioteca pública de Brooklyn Heights.
Eles não tinham filhos. Eles moravam em um pequeno apartamento no Upper East Side de Manhattan. Eles não tinham carro e não tiravam férias. Sua noite fora era uma ida a um restaurante chinês próximo.
Suas despesas de vida eram cobertas pelo modesto salário de Dorothy. Herbert ganhava US$ 23.000 por ano; esse era o orçamento de compra de arte deles.”
“Eles participaram de inaugurações de arte. Os negociantes descrevem sua abordagem como cercando e formando duplas com o artista.
Ees contavam sua paixão pela arte, enfatizavam sua falta de dinheiro e às vezes lamentavam sua baixa estatura, até que o artista concordasse em vender diretamente para eles, dar um desconto e permitir que eles pagassem em prestações. Eles evitavam taxas de galeria, o que não os tornava queridos pelos negociantes.
No processo, eles fizeram amizade com artistas emergentes e pouco conhecidos: Franz Kline, Barnett Newman, Jackson Pollock e Mark Rothko.
Eles compraram obras de Donald Judd, Richard Tuttle e Sol LeWitt. Este último tornou-se seu mentor. Sua coleção eventualmente também incluiu obras de Roy Lichtenstein, Robert Mangold e Cindy Sherman.”
“Às vezes, os artistas recompensavam sua paixão apresentando-lhes um trabalho. Um relatório disse que eles receberam uma colagem do artista ambientalista Christo em troca de cuidar de gatos.Eles sempre preferiam trabalhos que pudessem levar para casa de metrô ou, como último recurso, de táxi.
Ao longo de 30 anos eles acumularam uma coleção surpreendente: 4.500 obras de arte minimalista e conceitual. Eles guardavam o máximo que podiam em seu apartamento de um quarto, nas paredes, no armário e embaixo da cama.”
“À medida que sua coleção cresceu, eles se livraram do sofá e de muitos outros móveis para ganhar espaço.
James Stouraton da Sotheby's os incluiu em seu livro de 2007, Great Collectors of Our Time, junto com os Rockefellers, Rothschilds e Gettys. Em 2008, houve um documentário de televisão, Herb and Dorothy.”
“Em 1992, após a aposentadoria de Dorothy, eles apresentaram sua coleção à National Gallery of Art em Washington; eles escolheram essa instituição porque ela não cobra ingresso. Foram necessários três meses para transportar a arte.
Em entrevista à Associated Press, Herbert disse que ele e sua esposa perceberam há muito tempo que poderiam se tornar milionários. “Mas não estávamos preocupados com esse aspecto; somos cuidadores em vez de donos.” Eles nunca venderam uma obra.
Seus nomes estão gravados na parede dos benfeitores no átrio da Galeria Nacional. Para agradecê-los pelo legado, a galeria os presenteou com uma pequena anuidade. Eles o usaram para começar a coletar novamente. Herbert Vogel, conhecedor de arte, morreu em maio de 2012 aos 89 anos. Ele deixa Dorothy e um gato.”
“Esses quatro exemplos representam uma gama de motivações e recursos para a coleta. Destes, o Mugrabis e o Saatchi estão no topo das listas publicadas anuais dos principais colecionadores contemporâneos.
